美术工具箱的结构素描

㈠ 美术画材工具都包括什么

丙稀系列：
丙稀颜料：温莎牛顿、丽唯特、贝碧欧
丙稀媒介：丙稀调和液、流平胶、延缓胶、亚光、亮光媒介剂等
丙稀画笔：猪鬃、尼龙
画框 ：空框/成品框
油画系列：
油画颜料：马利、温莎牛顿、贝碧欧—进口、基调颜料
媒介：快干油、松节油（有味、无味）、调色油、洗笔液、亚麻油、上光油、亚光油
油画笔：
猪鬃：608＃、1000＃、915＃、395＃、602＃等
尼龙：801＃、820＃、478＃等
狼毫：666＃、2000＃等
油画布：亚麻——成品/非成品、化纤、棉布、棉麻—成品/非成品
油画框：丽唯特、温莎牛顿、自产
油画板：马利、矜古斋
油画纸：大千
调色板：木质
油画架：前倾、单摇、双摇、大落地、抽屉
油画箱：仿意大利式、铝合金
油画夹
钉枪、枪钉：南韩
底料：马利、温莎牛顿、达芬奇、贝碧欧
底胶、塑形膏、白乳胶
洗笔筒：南韩
油壶：全钢—单双体、塑料—单双体
刮刀：进口温莎牛顿、启东海联

水彩系列：
水彩颜料：马利、温莎牛顿—进口
水彩纸：保定、康颂、巴比松、莱纳、哈尼姆勒、阿诗、梦法儿、丹枫叶
媒介：留白液、牛胆汁、阿拉伯树胶、水彩润色/增厚媒介剂等
水彩笔：
羊毫：2004、408、838、大/中/小白云等
尼龙：新概念（200、202）等
混合毛：新概念（118、302）等
底纹笔、调色盒、水桶、水胶带

水粉系列：
颜料：雅比、马利/套装、温莎牛顿/套装、艺得宝
水粉笔：
羊毫：948、2004、838等
狼毫：888、8347、500、2000等
尼龙：820、2005、208、502等
水粉纸：新雅美、雅比
颜料盒：96型、97型、98型、92型、93型、90型
调色板：椭圆/方形
工具箱、水桶、刮刀、喷壶、水粉画媒介、胶带、画板、票夹、画架

素描系列：
铅笔：中华、多灰度、马可、马利、艺得宝、高尔乐、进口施德楼、进口辉柏嘉
草图笔、炭笔（软性/中性/硬性）、木炭条、炭精条、纸擦笔
橡皮（硬橡皮、可塑橡皮）
素描纸：雅比、大纤、贝尔斯、雷瓦儿、康颂、千纸绘
素描/速写本：雅新、贝尔斯、千纸绘、遵爵、康颂
美工刀、胶带、图钉、长尾票夹、画筒、航天画夹、画袋、定画液、笔袋
画板：达芬奇、宏艺、马利（桦木、椴木、杨木）
工具箱：8106型、8101型、F555型、8155型、8139型、马利布工具箱等
画架：铝合金摇把、铝合金（普）、水平铝合金画架等

动画系列：
拷贝台、拷贝箱、定位纸、动漫画原稿纸、漫画笔、漫画专用墨水、定位尺、马克笔
模形：木人、手、动物等

中国画系列：
颜料：马利—套装/单支
毛笔：狼毫、羊毫、兼毫等
宣纸：生宣—净皮/洒金纸、熟宣—珠光云母、夹宣、皮纸、檀皮宣、水纹宣、泥金纸
毛边纸：手工、机制
毛毡、笔帘、册页、镜片、墨盒、砚台、瓷盘、洗笔器、洗笔筒
墨汁：一得阁、中华、曹素功、久久

雕塑系列：
泥塑刀、油泥、雕塑台、喷壶

版画系列：
木刻刀、油墨、木刻板、卡纸——单/双面卡

设计系列：
马克笔（水性、油性）：美辉、Mycolor2、凡迪、斯塔、樱花等
针管笔：樱花/雄狮/威迪/无竹/高尔乐一次性，红环/英雄—可注墨水
模板：圆形模板、椭圆模板、建筑模板、建筑家具模板、数字模板
彩铅（油性、水溶）：辉柏嘉、马可、马利、高尔乐、雄狮、中华等
丁字尺、比例尺、蛇形尺、三角尺、直尺、钢尺、云尺
美工笔、草图笔、钢笔、自动铅笔、圆珠笔、色粉笔、油画棒
圆规、分规、直线笔、模形卡、裁纸刀、色卡、KT板、UHU胶、图纸袋、画筒
绘图纸（A4、A3、A2、A1、A0）
硫酸纸（A4、A3、A2、A1）

㈡ 学美术色彩要买什么工具

学美术色彩要买的工具：画笔、颜料和调色盒、画纸、画板、工具箱。

1、画笔

对美术色彩来说选择适用的画笔是很重要的，专用的水彩画笔大致有平头和圆头两类。大部分画笔是用天然与合成材料做笔毛，也有价格昂贵的貂毛画笔，对于一般的水彩画爱好者来说采用普通画笔就足够了，从事一般性的写生或创作需要准备大、中、小三种型号的圆头画笔，还要准备一把约三至四公分宽的板刷和一两只平头画笔。

2、颜料和调色盒

水彩画颜料种类很多，可以先选一整套基础颜色的水彩颜料，等有了绘画习惯后，再适当添增水彩颜色。

3、画纸

画纸可以选用冷压水彩纸，水彩纸的表面颗粒有粗细之分，选择哪一种取决于艺术家的个人习惯、画面内容和画幅尺度等因素，对于初学者来说，适宜的画幅尺度一般不要小于20cm＊30cm，也不要大于40cm＊50cm，长和宽的比例则根据兴趣和题材内容而定。

4、画板

用60x45即可。另外也可以使用速写板，特点面积小，携带方便，适合画8k的素描。在画室画速写或者出门画风景，在电脑前画照片都非常合适。一般头部带夹子，方便更换纸张。选择时以较硬不宜变形、防潮的为好。

5、工具箱

绘画的工具有很多，为了更方便的放置他们，可以选择多储层工具箱。

(2)美术工具箱的结构素描扩展阅读

绘画学习方法

从严格意义上讲，学习绘画之初要先从学习素描开始，一般从石膏几何体、静物、上。画素描要懂得素描的基本要素，如形体、比例、结构、明暗调子、质量感和空间感等。

这里先来理解一下头部的形体结构及比例。头部的形体，从整体上可以概括成一个卵形或立方体或楔形，进一步分析知道颅骨象球形，额骨呈扁方形，额骨之下至下颔骨底的正面呈倒梯形，下大上小的梯形体的鼻子竖于其间。

头部的比例有“长三停、横五眼”。这是对头部一般规律的总结，但是个体之间还存在着一定的差异。成忠臣水墨画欣赏（20张）人物石膏像、人物头像等这样循序渐进的学习方过程，在没有接触基础训练时，直接画人物头像，这样的学生往往不可能画得好。培养正确的学习方法，也就是建立在对物体的深入理解。

㈢ 谁知道油画的工具

油画作画方法多样，其工具也有异同。几百年来油画艺术的历史演变，使绘画工具不断改进。总体而言，常使用的工具如下：
（1）画箱。用来装颜料、画笔、调色板及调和剂等绘画材料的一种工具箱。多为木质，有三条可伸缩开合的腿，用作室内绘画和外出写生。
（2）画架。用来固定画幅。根据画家需要，室内画架可以使画幅上下前后移动；折叠式画架用于野外写生。画架又可以和画箱或画桌结合在一起——画箱式画架。
（3）画桌。室内作画时用来摆放调色板、颜料及其它用具、物品等。专业画桌具备多种功能，能自由移动和调整高度的为最好。
（4）画凳。室内画凳可调整高度，外出写生用画凳可折叠。还有一种能上能下的梯形画凳，用于绘制大型油画。
（5）画伞。外出写生时专用，可以避雨，也可以阻挡阳光直射。专用画伞通常带有固定设置。
（6）画笔。有不同的笔型和大小型号，分动物毛和人造毛两类，用于调色和画面着色。
（7）画刀。有多种造型。主要用来调色、作画、刮色、清理画板等。
（8）调色板。有长方形和椭圆形两种，用于调色及摆置颜料。
（9）油壶。用来装调色油、松节油等调和剂。底部装有弹簧片的小油壶可夹在调色板上。
（10）洗笔器。用于洗刷或搁置带颜色的画笔。
（11）画杖。又称支腕杖。作画时用于支撑手臂。
（12）绷布钳。钳口较宽，绷装画布时专用。
（13）订枪。用来固定画布，类似订书机。有大小两种钉型，比普通订书钉略长且坚硬。
（14）小锤和钉子。用于传统的绷装画布的方法。有的小锤一端带有磁性，可以吸钉子。
（15）砂纸或浮石。作底子时用来打磨画布。
（16）木炭、铅笔和橡皮。用来起画稿。
（17）画板。用于素描写生或创作。
（18）报纸或布头。用来擦笔或擦画刀。布头还有擦拭画面的特殊用途。
（19）电动搅拌器。用来制作底料或胶液。
（20）板刷和刮板。用来作画布底子。
（21）加热器。制作胶液或调和剂时用来加热。
（22）大理石板和研磨杵。用于研磨油画颜料。
（23）镜子。从镜子中反观画面，可以发现造型上的错误。缩小镜便于观察整体效果，黑片镜用于观察黑白关系。
此外，烧杯、瓶子、金属盒、金属罐等各种容器，以及尺子、剪刀、钳子、胶带、夹子、天平、铜臼、电吹风、喷枪等都能派上用场。

用透明的植物油调和颜料，在制作过底子的布、纸、木板等材料上塑造艺术形象的绘画。它起源并发展于欧洲，到近代成为世界性的重要画种。产生15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前身。在运用蛋彩画法的同时，许多画家继续寻找更为理想的调和剂。一般认为，15世纪初期的尼德兰画家凡·爱克兄弟是油画技法的奠基人。他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上,用亚麻油和核桃油作为调和剂作画,致使描绘时运笔流畅，颜料在画面上干燥的时间适中，易于作画过程中多次覆盖与修改，形成丰富的色彩层次和光泽度，干透后颜料附着力强，不易剥落和褪色。他们运用新的油画材料创作，在当时的画坛很有影响。油画技术很快在西欧其他国家传开，尤其在意大利的威尼斯得以迅速发展。
材料和工具油画的主要材料和工具有颜料、画笔、画刀、画布、上光油、外框等。

① 颜料，分矿物质和化学合成两大类。最初的颜料多为矿物质颜料,由手工研磨成细末,作画时才进行调和。近代由工厂成批生产，装入锡管，颜料的种类也不断增加。颜料的性能与其所含的化学成分有关，调色时，化学作用会使有些颜料之间产生不良反应。因而，掌握颜料的性能有助于充分发挥油画技巧并使作品色彩经久不变。

② 画笔，用弹性适中的动物毛制成，有尖锋圆形、平锋扁平形、短锋扁平形及扇形等种类。

③ 画刀，又称调色刀，用富有弹性的薄钢片制成，有尖状、圆状之分，用于在调色板上调匀颜料，不少画家也以刀代笔，直接用刀作画或部分地在画布上形成颜料层面、肌理，增加表现力。

④ 画布，标准的画布，是将亚麻布或帆布紧绷在木质内框上后，用胶或油与白粉掺和并涂刷在布的表面制作而成。一般做成不吸油又具有一定布纹效果的底子，或根据创作需要做成半吸油或完全吸油的底子。布纹的粗细根据画幅的大小而定，也根据作画效果的需要选择。有的画家使用涂过底色的画布，容易形成统一的画面色调,作画时还可不经意地露出底色。经过涂底制作后,不吸油的木板或硬纸板也可以代替画布。

⑤ 上光油，通常在油画完成并干透后罩涂上光油，保持画面的光泽度，防止空气侵蚀和积垢。

⑥ 外框,完整的油画作品包括外框,尤其是写实性较强的油画，外框形成观者对作品视域的界限，使画面显得完整、集中，画中的物象在观者的感觉中朝纵深发展。画框的厚薄、大小依作品内容而定。古典油画的外框多用木料、石膏制成，近现代油画的外框较多用铝合金等金属材料制成。

技法 油画工具材料的限定导致油画绘制技法的复杂性。几个世纪以来，艺术家在实践中创造了多种油画技法，使油画材料发挥出充分的表现效果。油画主要技法有：

① 透明覆色法，即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来，与上层的颜色形成变化微妙的色调。例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色，就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果，这往往是调色板上无法调出的色调。这种画法适于表现物象的质感和厚实感，尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化，令人感到肌肤表皮之下流动着血液。它的缺点是色域较窄，制作过程工细，完成作品的时间长，不易于表达画家即时的艺术创作情感。

② 不透明覆色法，也称多层次着色法。作画时先用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑造,暗部往往画得较薄，中间调子和亮部则层层厚涂，或盖或留，形成色块对比。由于厚薄不一，显出色彩的丰富韵意与肌理。透明与不透明两种画法没有严格的区别，画家经常在一幅画作中综合运用。表现处在暗部或阴影中的物象时，用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感；不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体，增加画面色彩的饱和度。19世纪以前的画家大都采用这两种画法，制作作品的时间一般较长，有的画完一层后经长期放置，待色层完全干透后再进行描绘。

③ 不透明一次着色法，也称为直接着色法。即在画布上作出物象形体轮廓后，凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色,基本上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰，易于表达作画时的生动感受。19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果，必须讲究笔势的运用即涂法，常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩，适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体；散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔，笔触比较松散、灵活；厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料，有的形成高达数毫米的色层或色块，使颜料表现出质地的趣味，形象也得到强化。 作为一种艺术语言，油画包括色彩、明暗、 线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素，油画技法的作用在于将各项造型因素综合地或侧重单项地体现出来，油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容，又展示了油画语言独特的美——绘画性。

发展 油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。

油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。15世纪的欧洲文艺复兴运动中，人文主义思想出于对宗教的批判,有着关注社会现实的积极要求,许多著名画家为逐渐摆脱单一的以基督教经典为题材的创作，开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观察和直接描绘，使宗教题材的作品含带明显的现实世俗因素，有的画家完全描绘现实生活的实景。文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术观念，即不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果，于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。

人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般准确的比例、形体、结构关系；焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间，画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相同；明暗法使画中的物象统一在一个主要光源发出的光线下，形成由近及远的清晰层次。人文主义的艺术主题与追求写实的造型观念在其他画种中所以不能完善，是因为工具材料的限制，而油画工具材料性能正适于将二者充分体现出来。因而，古典油画成为经长期制作的、高度写实的面貌。

古典油画在整体上是油画语言诸因素共时综合运用的结果，但不同国家、不同时期的艺术家在此基础上对某一个或几个因素特别注重，形成了不同的风格。文艺复兴时代的意大利画家比较注重明暗法的运用，画中景物的暗部统一笼罩在阴影中，明暗交界线呈柔和的过渡，造就了画面集中而浑然的效果。L.达·芬奇的《岩间圣母》是这种风格的代表。同时期的尼德兰画家则清晰地刻画画中景物各个细部，景物之间是色彩的差别而非明暗的过渡，R.康平的三叶祭坛画《受胎告知》就细致地呈现室内外的所有景物。意大利的提香是第 1个特别注重油画色彩表现力的画家，他在暗底子上作画，并常用明度接近、色相略异的明亮色彩构成富丽堂皇的金黄色调，透明颜料的多次复叠，忽厚忽薄的笔法，又使色彩与形体有机溶合，造就出质感效果。

17世纪是欧洲古典油画迅速发展的时期，不同地区、国家的画家依据自己生活的社会背景、民族气质，在油画语言上进行了不同的深向探索，油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。油画技法也日臻丰富，并形成了各国、各地区的学派。

17世纪的一部分油画强调了油画的光感，运用色彩冷暖对比、明暗强度对比、厚薄层次对比进行光感的创造，形成画面戏剧性气氛。意大利画家卡拉瓦乔打破了他之前油画中有序和谐的光感效果，他强化画面上明暗的对比，往往用画面背景平面的大片暗部衬托前景明亮的人物,令人感到画中光线耀眼。西班牙画家El.格列柯将景物处理成处在斑驳的光影之下，他不是从明暗两大体面，而是从间断错落的明暗分布进行造型，色彩的冷暖也形成间断的连续变化，用笔凝重，色彩层面在挤压中互相渗化，画面给人扑朔迷离的效果，有的甚至充盈着神秘与不安的气氛。荷兰画家伦勃朗也把画中的光感作为表现人的精神状态的一种手段，他所作大量的人物肖像中，人物都处在大块暗部的笼罩中，唯表现神情的脸、手等重要部分显出鲜明的亮度。他运用沉着的颜色在暗部多层薄涂，使暗部显得深邃，画亮部则用厚涂和画刀堆色法，造成厚重的体量感。

同时期，笔触的运用也被许多画家侧重探索。笔触是带有颜料的油画笔在画布上运动的痕迹，早期油画全幅各部分颜料层厚薄比较一致，运笔力度均匀，几乎不显露出笔触。17世纪的画家注意到笔触的运动受创作时心境和情感律动的驱使，画家在作画时能产生控制笔触动势的情感，笔触的轻、重、缓、急和运动方向不仅使被塑造的形象显出生动感，笔触自身也具有艺术表现力。佛兰德斯画家P.P.鲁本斯在众多的巨幅作品中运用饱蘸稀薄明亮颜色的大笔涂绘，依照人物的形体运笔，留下自由奔放、多呈曲线的笔触，造成了体态的强烈动势和故事情节的戏剧性冲突。荷兰画家F.哈尔斯则运用轻快、灵活的笔触描绘肖像，使肖像具有人物神采未消的生动感，与他偏于表现豪迈、乐观的人物相辅相成。另一个荷兰画家J.维米尔善于用珍珠般细碎的、圆润的笔触描绘处在室内的人物，使画面产生宁静、温暖的气氛。

油画的发展在19世纪有了新的趋向，主要是油画色彩的变革。英国画家J.康斯特布尔最早直接用油画在室外写生，获得丰富的色彩感受，他在局部用细小笔触并置颜色，使之混合成较鲜明的色块，画面较古典的褐色调子明亮得多。 色彩的补色——色轮两极的颜色在并置时能互相提高明度和强度的原理， 是在后来被科学认识的，但康斯特布尔凭借对自然的观察感性地获得了补色原理，并在实践中部分地运用。他的作品启发了法国画家E.德拉克洛瓦。德拉克洛瓦以浪漫主义思想支配创作，根据当时的历史事件创作大幅主题画。他将补色关系更多地运用于创作的色彩表现，运用活跃的笔触，在画面的许多部位形成色彩的对比，增强了色彩的明亮度和华丽感，形成了震动当时画坛的风格。法国巴比松画派的许多画家在不同的自然气候条件下进行风景写生，认识到景物光源色、固有色和环境色之间的关系，认识到色调对于体现时间、环境、气氛，烘托艺术主题，构成画面意境与情调的重大意义。他们大量的风景创作画出了大自然风、雨、晨、暮等特定的色彩气氛。在此基础上，法国印象主义画家在色彩运用方面作出了具有创新意义的贡献。他们吸收了光学和染色化学的成果，以色光混合原理解决油画的色彩问题。C.莫奈、A.西斯莱等画家捕捉外光景物表面光线变化给人的色彩瞬间印象，用细碎笔触的厚涂法将对比色并置，他们认识到暗部或阴影并非黑色的浓淡变化，改变了用调和过的单一色彩画暗部的传统作法，在暗部和阴影部位也用色点并置。由于视觉生理的作用，并置的色点在一定距离外看去是透明的、有冷暖倾向的色块，并形成微妙的过渡。印象主义淡化了景物的体积感，强化了色彩因素，不再依靠明暗和线条形成空间距离感，而依据色光反射原理，用色彩的冷暖形成空间。印象主义的作品出现了前所未有的鲜明与生动，也表明色彩既有综合的、也有纯粹的表现力。

19世纪的欧洲油画出现了有明确艺术主张的流派，虽主要体现在艺术主题和内容上，但油画技法也相应各具面貌。如新古典主义注重油画中物象造型的严谨与坚实感，符合古典传统的造型法则；浪漫主义围绕悲剧的主题，力求以色彩、笔触因素和构图中运动式线条创造画中情节的紧张感；拉斐尔前派注重对画中人物心理情绪的表达，较多画面以青、紫、绿调子构成感伤的、静寂的意境……。虽然近代油画的面貌已经比较丰富，但都具有写实的整体特征，它们共同表现为：一幅油画是艺术形式的统一体，色彩的主调统一着画面各局部的颜色，局部色彩在过渡的渐变中互相形成和谐的关系，不存在孤立的色块；笔触基本上是为塑造形象而运用，显露的程度有限，并统一在或曲长、或短促的某种有序倾向中；被描绘的物象统一在中心焦点的构图中，形成与真实视域同构的效果。

从19世纪末叶开始，西方油画发生了根本性变化。传统油画比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法已经达到自身体系的高度饱和，因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。油画不再以模仿自然、再现自然为艺术创造原则，艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实。艺术家不再通过油画形式如实描绘自然，而将油画形式作为表现自己精神与情感世界的媒介，以想象、幻想等方法构造作品。印象派之后的三位画家率先离弃了传统油画模式。V.凡高以疾急奔放的笔触，使浓厚、明亮的色彩充满强烈的力感，表现内心情绪的不安。P.高更以象征的色彩和造型构成画面，作品的空间与传统的形式相违，具有非描述性的神秘气氛。P.塞尚探研用几何形构成艺术形象，创造出画面是一个富有自身秩序的世界。他们的作品成为油画面貌剧变的标志。(也叫后印象主义)

在20世纪油画中，由不同的艺术观念形成了不同的流派,并制约艺术形式呈现多种倾向,传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式体现被强化，甚至被推向极端，油画形式语言受到高度重视。例如：忽视色彩而主要作形体自由构造的立体主义；注重色彩强烈状态中均衡效果的野兽主义；通过色彩和笔触的无序使用表现扭曲心理的表现主义；纯粹以色彩的点、线、面构成画面的抽象主义；以及将颜料随意甩、泼、垂滴于画布上的抽象表现主义等。近百年来西方现代油画流派纷繁，相继更替，只要以油画工具材料为造型媒介，艺术家可以创造任意的油画面貌。随着艺术观念的不断扩大，导致油画材料与其他材料相结合,产生了不归属某一具体画种的综合性艺术,油画因此也走向失去在西方作为主要画种的地位的趋势。

中国油画 是在欧洲油画技法传入的基础上发展起来的。1902年成立的南京两江优级师范学堂最早设立了西画专科,聘任外国教员讲授油画。同期,清朝政府还派遣留学生到外国学习油画。1887年，李铁夫留学英、美，受教于印象主义画家。1904年，李叔同等留学日本学习油画。此外，陆续有自费留学欧洲的画家。20年代后期，留学生相继回国，积极从事油画创作和油画教育，并以他们为主体形成各种画会、美术社，出版画册，介绍西方油画作品。这样，油画直接从欧洲、间接从日本传入中国，成为中国画坛的新画种。

出国留学生在不同的美术院校就学或师从不同风格的画家，使得早期中国油画面貌不一。由于画家回国后缺乏油画艺术的社会氛围以及材料的限制，早期中国油画作品不及西方油画醇郁，表现力也不够丰富。一部分作品是用油画材料表现中国传统绘画的内容和造型特点，画面往往显得干涩、凝滞，并且不易长久保存。

20～40年代，北平艺术专科学校、中央大学艺术系、杭州艺术专科学校、上海美术专科学校、苏州美术专科学校、武昌艺术专科学校等院校培养了一批油画人才。刘海粟、林风眠、徐悲鸿是对教育影响较大的油画艺术家，他们的作品代表着当时较高的水平。以徐悲鸿为代表的许多画家坚持以现实生活内容为主题，描绘具体的有情节的题材，侧重严谨的形体塑造和写实的色彩，作品主题与当时的社会历史背景有较密切关系，形成很强的社会教育意义。以林风眠、刘海粟为代表的一些画家，侧重吸收欧洲印象主义以后的诸种流派风格，主要通过丰富的色彩和自由的笔触表现对景物的主观感受，画面的艺术形式感较强，多呈流畅、轻松的意趣。40年代留学回国的油画家中有的深入敦煌石窟等地研究中国古代艺术，画出了吸收民族绘画造型和色彩特点的作品。

中华人民共和国建立后，中国油画得到了普及性的发展。50年代后期，油画教学和创作受到新的外来影响，主要采用的是俄罗斯-苏联油画模式。在基础作业中,油画技法的特点为：注重描绘物象处于一个主要光源之下的效果，以明暗调子的推移即素描关系作为造型的主导因素。色彩表现的是物象之间由于环境色作用形成的色调，一般采用多层画法，保持暗部的透明感和亮部的色层重叠，笔触多较阔略、明显，形成物象的体面转折和质感。

中国油画创作主要遵循反映现实社会生活的艺术原则，在观察生活的基础上,以写生方法收集创作素材,形成主题明确的艺术构思，通过创造生活情景的某一瞬时状态体现艺术主题，强调内容的情节性和文学性。画面一般有焦点透视的写实感,运用明暗和造型突出主体,色调的倾向性形成画面的意境并烘托主题。众多以现实生活和近代历史事实为素材的作品，在50年代和60年代上半叶反映了普遍的社会意识，油画技法也日趋丰富，成为中国画坛富有生机的绘画形式。60年代后期，中国油画从较窄的艺术路子陷入概念化，表现内容单一，较多作品成为当时政治口号的图解，也几近完全失去油画的特征。

1979年以后，中国油画逐渐得到正常发展，改变了过去吸收单一的油画模式的状况，较全面地吸收西方从古典到现代的各种风格与流派。艺术家更多地注重油画艺术的审美功能，注重油画形式语言的多样化、个性化，形成了中国油画的初步繁荣。其中突出的油画风格是吸收法国古典油画的技法，讲究严谨而富有艺术概括的造型，细腻的色彩变化和多层次色彩构成和谐的色调，作品气氛典雅、意境清新。有的借鉴美国照相写实主义的手法，运用极为精细的笔触描绘理性构造的物象，作品取材于现实生活实况，往往显出冷峻的情调。更多的画家追求艺术的情感表现，灵活地运用油画材料，创造富有个性的艺术作品。

油画的丰富表现力在它的发展中愈益显著，是世界上沟通人类情感的一种重要的艺术语言。

我的感悟：学习油画的人，老想中西结合，那么请先学好西方油画技巧，再结合中国画；
学习国画的人，也想中西结合，那么请先学好传统国华技巧，再结合西洋画．

中西美术是不同的体系，你只有把两者都掌握达到非常高的程度，才可以去想结合，不要为了出名，而搞得很肤浅，其实每个系统都可以独树一帜，只要钻研下去，某一个小科目都可以出彩，莫不要投机取巧，艺术的最高境界没有捷径可走。

㈣ 水粉画要什么工具

（1）工具箱：多为木质，有三条可伸缩开合的腿，用作室内绘画和外出写生。

（2）画架：根据画家需要，室内画架可以使画幅上下前后移动；折叠式画架用于野外写生。画架又可以和画箱或画桌结合在一起——画箱式画架。

（3）画桌：室内作画时用来、物品等。专业画桌具备多种功能，有的能能自由移动和调整高度。

（4）画凳：室内画凳可调整高度，外出写生用画凳可折叠。还有一种能上能下的梯形画凳，用于绘制大型油画。

（5）画伞：外出写生时专用，可以避雨，也可以阻挡阳光直射。专用画伞通常带有固定设置。

（6）画笔。有不同的笔型和大小型号，分动物毛和人造毛两类，用于调色和画面着色。

（7）画刀。有多种造型。主要用来调色、作画、刮色、清理画板等。

（8）调色板。有长方形和椭圆形两种，用于调色及摆置颜料。

（9）油壶。用来装调色油、松节油等调和剂。底部装有弹簧片的小油壶可夹在调色板上。

（10）洗笔桶。用于洗刷或搁置带颜色的画笔。

（11）画杖。又称支腕杖。作画时用于支撑手臂。

（12）绷布钳。钳口较宽，绷装画布时专用。

（13）订枪。用来固定画布，类似订书机。有大小两种钉型，比普通订书钉略长且坚硬。

（14）小锤和钉子。用于传统的绷装画布的方法。有的小锤一端带有磁性，可以吸钉子。

（15）砂纸或浮石。作底子时用来打磨画布。

（16）木炭、铅笔和橡皮。用来起画稿。

（17）画板。用于素描写生或创作。

（18）报纸或布头。用来擦笔或擦画刀。布头还有擦拭画面的特殊用途。

（19）电动搅拌器。用来制作底料或胶液。

（20）板刷和刮板。用来作画布底子。

（21）加热器。制作胶液或调和剂时用来加热。

（22）大理石板和研磨杵。用于研磨油画颜料。

（23）镜子。从镜子中反观画面，可以发现造型上的错误。缩小镜便于观察整体效果，黑片镜用于观察黑白关系。

（24）油画棒。

㈤ 可以装画画用的东西的那种盒只叫什么我学素描的。

就是美术工具箱，有三层的，最适合美术用，大概就和八开纸一样大，高十五厘米左右，还有一种两层的带水桶，可以作写生凳。

㈥ 美术联考工具箱，能装颜色盒子，调色盘水桶，抹布的规定箱子

美术考试画具的准备
看看这些东西都准备了没有，没有的话赶紧记下来准备吧！
1、折叠水桶，考色彩，色彩必备神器，千万别忘了哦！
2、调色盘，也是画色彩必备神器，如果忘记带，后果很严重
3、胶带，纸质的比胶质的好用，不会拉撕纸张，考色彩时很有必要把四周固定好，既固定画面，又干净提效果！
4、画架，最好带这种轻便的三角画架，方便拿也方便调整高度，要注意把画架固定平衡好！
5、美工刀，还是需要提前把铅笔削好，可以节约更多时间，方便裁胶带和刻画细节时削铅笔使用。
6、夹子和彩钉，主要用于固定画面使用，如果考试提供照片也可以固定考题照片。
7、抹布和海绵，抹布可以洗调色盘使用，海绵可以笔洗完之后吸掉笔上面的水，也是画水粉必备神器！
8、水粉笔，”工欲善其事，必先利其器“，考试前还是有必要买一些新笔，当然最好是准备自己习惯使用的笔，还可以适当准备一些点高光用的尼龙笔，还有收形刻画的描笔，有喜欢使用扇形笔的同学也别忘记带排刷和扇形笔，以自己使用习惯为主准备。
9、铅笔和纸笔（擦笔），铅笔是美术生手里的武器，千万马虎不得，提前多准备一些削好，各种软硬性能都要准备，从2H到8B，擦笔适合在深入刻画时柔和画面使用，也是非常不错的绘画工具！
10、碳笔，有的学生习惯用碳笔画速写，效果比较好，千万不要忘记，还有碳笔画的时候容易断，要多准备几只削好，至于用什么硬炭、中炭和软炭要看学生们自己的习惯。
11、画袋，考试必备，方便把画板、画架、调色盒和水桶都容纳在一起。
12、颜料盒和备用颜料，可以准备两盒颜料，一盒是上面的常用色，还可以准备一盒高级灰的颜料盒，如果你觉得你调色很看牛的话，那就一盒常用的就可以了，不过还是要多准备点白色。
13、橡皮，这是必备神器，不必多说，刻画细节时，可以把橡皮削成三角形，方便刻画细节以及提高光。
14、画板、速写板，最好保持画板一面是干净的，供素描考试用，最好平时一面画色彩，一面画素描，如果画板上面坑洼不平，对画素描是有影响的！
画板一般很少有学生忘记带，但速写板忘记带的同学还是很多，切记哦～～要不然速写考试时间又短，没有带，那后果是很严重的。
15、餐巾纸，肯定有人问为什么带这个？这不是擦鼻涕用的，是画素描铺大关系时用的，当然色彩吸水时也可以救急使用，如果实在天冷还得客串擦鼻涕使用，那就多准备一些。
16、眼镜，有近视的同学这个细节也不能忽视。
17、画画工具箱，把一些小东西画具都可以放在这里，主要是放笔、调色盒和备用颜料使用。18、吹风机，这对画的慢的同学来说也是必需的，准备的话最好是充电便携式的，要不然考场插座有限，使用起来也不方便。
考前须全副武装，千万要提前准备好！

㈦ 初学绘画需要什么美术工具

工具：铅笔、橡皮、素描纸、画板或素描本、美工刀或转笔刀。

1、素描铅笔。

新手只需要选HB、2B、4B、6B、8B。这些是画素描最常用到的铅笔，H—6H的铅笔适合刻画素描的细节、非常细微的地方。

2、素描纸。

一般用8K或4K练习。刚开始画可以用一种纸质薄一点的也可以，价格比较低，一般每张几毛。练习打形以及简单的明暗练习还是可以的。

缺点就是这种纸不利于反复擦改，后期画素描就换成厚的素描纸。根据个人条件选择即可，素描纸选择纸质较厚、纹路清晰、有手感，摸上去有粗糙的一面是正面，用作画画，容易上色。

3、铅笔刀。

铅笔刀可以选择一些质量比较好，找不到代替可以选择美工刀。

4、橡皮。

分硬橡皮和软橡皮（橡皮泥），刚开始只用硬橡皮即可。4b橡皮较软，擦屑少，不容易破坏纸张的纤维，手感好。

5、画板。

用60x45即可。另外也可以使用速写板，特点面积小，携带方便，适合画8k的素描。在画室画速写或者出门画风景，在电脑前画照片都非常合适。一般头部带夹子，方便更换纸张。选择时以较硬不宜变形、防潮的为好。

(7)美术工具箱的结构素描扩展阅读

绘画学习方法

一、培养正确的学习方法

从严格意义上讲，学习绘画之初要先从学习素描开始，一般从石膏几何体、静物、上。我们画素描要懂得素描的基本要素，如形体、比例、结构、明暗调子、质量感和空间感等。

这些名词看起来好像不难，但具体的操作确实是很不容易的。

这里先来理解一下头部的形体结构及比例。头部的形体，从整体上可以概括成一个卵形或立方体或楔形，进一步分析知道颅骨象球形，额骨呈扁方形，额骨之下至下颔骨底的正面呈倒梯形，下大上小的梯形体的鼻子竖于其间。

头部的比例有“长三停、横五眼”。这是对头部一般规律的总结，但是个体之间还存在着一定的差异。成忠臣水墨画欣赏(20张)人物石膏像、人物头像等这样循序渐进的学习方过程，在没有接触基础训练时，直接画人物头像，这样的学生往往不可能画得好。培养正确的学习方法，也就是建立在对物体的深入理解。

面对一个模特，初学者可能在短时间内也可完成一幅肖像，但画面简单空洞，而受过良好素描训练的人却可表现得深入而丰富。因为视觉上的敏感不同，感觉到的内容就会有差异，后者可以抓住物体的本质，在表达中能够概括简洁、明确肯定地表达对象，在短时间里抓住对象的最基本的特征，培养敏锐的观察方法。

二、建立良好的整体意识

整体意识的建立在绘画领域中是一个很重要的因素，对学生将来的绘画发展产生很大的影响。无论是从事何种绘画创作，都要涉及这个问题。整体是相对局部而言，局部是整体的一部分，局部存在于整体之中，而整体通过局部得到体现。

对于初学者来说，一方面是加强对整体意识的理解，另一方面是在观察和表现中关注整体关系，克服注意力局限在某一个点上的不良习惯。例如在画一个头像时，必须整体地观察对象，如画眼睛时要考虑到和耳朵或鼻子之间的关系，而不能孤立地画眼睛，陷入局部，必须相互对比，要把它们有机地联系起来。

整体存在于造型的各种因素里，从轮廓到色调，从形体表现到空间表现无处不在。培养整体意识可从观察事物入手，多观察多比较，这样才能明确各个事物之间的关系，以便更好地把握整体。从整体到局部、从局部再到整体，贯穿于整个作画的过程中，反复比较，培养局部与整体关系的能力，建立良好的整体意识。

三、建立形体的体积意识和掌握表现技巧

把握形体、表现体积感和空间感，是基础素描另外一个重要因素，不但要明确物体的形状、比例、大小，同时还要克服平面描绘，对造型要有最基本的理解和掌握。没有体积空间意识，就不能养成对体积空间的观察习惯，更不能表现好空间关系。

对空间的表现是绘画的基本能力。如：人物头部在正面时眼睛和耳朵在同一方向，初学者往往表现不出它的空间感，没有空间感就表现不出体积感。“方形”和“方块”是不一样的，方形是一个平面，而方块是一个体积。所以应该建立空间意识来表现物体的体积的能力。

表现力在素描教学中是很关键的。有了敏锐的观察力，还要建立整体意识和体积空间意识，因此要实现这些还需要有表现的能力。素描是表现或再现对象的最基本的绘画形式。素描作为学习绘画的方法和手段，必须掌握形体构成因素和结构，理解光影色调，理解边缘轮廓线和明暗交界线，以及对节奏的感受。

素描相对色彩而言更具理性，特别是基础素描的训练。用理性指导观察，用观察丰富理性，把素描建立在理性的认识上，以上就素描教学中的一些较为突出的要点进行分析理解。绘画是一门技巧课，必须从实践中获得飞跃。所以动手实践是非常重要的，有了量的积累，才能得到质的飞跃。打好坚实的素描基础才能考出理想的成绩绘画作品集(20张)从而达到素描的完整性。